Среда, 05.08.2020, 05:27

simplemagic.tk - Форум

Главная страница | Форум | Регистрация | Вход
Форма входа


[ Новые сообщения · Пользователи · Правила форума · Поиск · RSS ]
  • Страница 1 из 1
  • 1
Форум » Музыка и искусство » Изобразительное искусcтво » Великие Художники (Биография Великих Художников)
Великие Художники
LeConseillerДата: Суббота, 29.09.2007, 01:56 | Сообщение # 1
Владыка
Группа: Администраторы
Сообщений: 539
Награды: 0
Репутация: 17
Статус: Не с нами сейчас
Здесь представлены биографии Великих Художников.
Если у вас есть интересный факт из жизни живописца или биографии вашего любимого художника нет, то просим вас присоединиться к нам и вместе узнавать о жизни...


Это мои мысли и мои слова!

Sapienti sat!Nosce te ipsum!
 
ИндигоДата: Четверг, 04.10.2007, 01:51 | Сообщение # 2
Индиго
Активный собеседник
Группа: Друзья
Сообщений: 71
Награды: 0
Репутация: 2
Статус: Не с нами сейчас
Я знаю, что я ем (и что переварю).

Не ведаю совсем, что я творю.

БИОГРАФИЯ САЛЬВАДОРА ДАЛИ
Я не могла бы сказать, что его жизнь была скучной... Хотелось бы дать еще несколько моментов, но эти "несколько моментов" еще длиннее, чем его биография happy .

Родился 11 мая 1904 года на северо-востоке Испании.

Уже в раннем детстве по поведению и пристрастиям маленького Сальвадора можно было отметить его неудержимую энергию и эксцентричность характера. Частые капризы и истерики приводили отца Дали в гнев, но мать, напротив всячески старалась угодить любимому сыну. Она прощала ему даже самые отвратительные выходки. В итоге отец стал неким воплощением зла, а мать напротив – символом добра.

Талант к живописи проявился у Дали достаточно в юном возрасте. В четыре года он с удивительным для столь маленького ребенка старанием пытался рисовать. В шестилетнем возрасте Дали привлек образ Наполеона и как бы отождествляя себя с ним, он почувствовал потребность в некой власти. Одев на себя маскарадный костюм короля он получал огромное удовольствие от своего вида .

Первую свою картину Сальвадор Дали нарисовал, когда ему было 10 лет. Это был небольшой импрессионистский пейзаж, написанный на деревянной доске масляными красками. Талант гения рвался наружу. Дали целыми днями просиживал в маленькой, специально выделенной ему комнате рисуя картины. Под опытным руководством учителя талант юного Сальвадора Дали принял свои реальные формы. Уже в 14 лет нельзя было усомниться в способности Дали к рисованию.

Когда Дали было почти 15 лет его выгнали из монашеской школы за непотребное поведение. Но он смог успешно сдать все экзамены и поступить в институт (так в Испании называли школу, дающую законченное среднее образование). Институт в 1921 году ему удалось закончить с блестящими оценками. Далее он поступил в Мадридскую Художественную академию

В шестнадцать лет Дали стал излагать свои мысли на бумаге. С этого времени живопись и литература оказались в равной мере частями его творческой жизни. в студенческих волнениях, за что на сутки попадает в тюрьму.

В начале 20-х годов Дали был восхищен работами футуристов, но все же он был полон решимости создать собственный стиль в живописи. В это время у него появились новые друзья и знакомства. В Мадриде Дали впервые оказался предоставлен самому себе. Экстравагантный вид художника изумлял и шокировал обывателей. Это приводило самого Дали в неописуемый восторг.

В 1923 году за нарушение дисциплины он был на год отстранён от занятий в академии. В этот период интерес Дали был прикован к творениям великого гения кубизма Пабло Пикассо.

В 1925 году с 14 по 27 ноября проходит первая персональная выставка его работ в галерее Далмау. На этой выставке были 27 картин и 5 рисунков начинающего великого гения. Школа живописи, в которой он учился постепенно разочаровывала его и в 1926 году Дали был изгнан из академии за свое вольнодумие. В том же 1926 году Сальвадор Дали уехал в Париж, пытаясь найти там для себя что-то по душе. Вступив в группу, обьединившуюся вокруг Андре Бретона он начал создавать свои первые сюрреалистические работы (“Мёд слаще крови”1928; “Светлые радости”1929)

В начале 1929 года состоялась премьера фильма “Андалузский пес” по сценарию Сальвадора Дали и Луиса Бунюэля. Сам сценарий был написан за шесть дней! После скандальной премьеры этого фильма был задуман еще один фильм под названием “Золотой век”.

Личная жизнь Сальвадора Дали не имела ярких моментов (если только не считать его многочисленные увлечения нереальными девочками, девушками и женщинами). Но Дали влюбился в реальную женщину – Елену Дьяконову или Галу. В то время Гала была женой писателя Поля Элюара, но отношения её с мужем к тому времени уже были прохладными. Именно эта женщина станет на всю оставшуюся жизнь музой, вдохновением гения Дали.

В 1930 году картины Сальвадора Дали стали приносить ему известность (“Расплывшееся время”;“Постоянство памяти”). Неизменными темами его творений были разрушение, тление, смерть, а так же мир сексуальных переживаний человека (влияние книг Зигмунда Фрейда).

В начале 30 –х годов Сальвадор Дали вступил в некий конфликт на политической почве с сюрриалистами. Его восхищение Адольфом Гитлером и монархические наклонности шли в разрез с идеями Бретона. Дали порвал с сюриалистами после того, как те обвинили его в контрреволюционной деятельности.

К 1934 году Гала уже развелась со своим мужем, и Дали мог жениться на ней. Удивительная особенность этой семейной пары была в том, что они чувствовали и понимали друг друга. Гала ,в прямом смысле,жила жизнью Дали,а он в свою очередь обожествлял ее,восхищался ей.

Сальвадор Дали пишет одну из самых известных картин “Метаморфоза Нарцисса”. Одновременно выходит его литературная работа под названием “Метаморфозы Нарцисса. Параноидная тема. “Кстати ранее (1935 г.) в работе “Покорение иррационального” Дали сформулировал теорию параноидально-критического метода.

Ранее, накануне холодной войны, Дали разрабатывает теорию “атомарного искусства” опубликованную в этом же году в “Мистическом манифесте”. Дали ставит перед собой цель, донести до зрителя идею о постоянстве духовного бытия даже после исчезновения материи (Взрывающаяся голова Рафаэля.1951).

В конце 60-х отношения между Дали и Галой стали сходить на нет. И по просьбе Галы, Дали был вынужден купить ей свой замок, где она много времени проводила в обществе молодых людей. Остаток их совместной жизни представлял собой тлеющие головешки бывшие когда-то ярким костром страсти.

1982 года 10 июня умерла Гала. Хоть их отношения нельзя было назвать близкими, Дали воспринял ее смерть как страшный удар.

К концу 1983 года его настроение, как казалось, несколько поднялось. Он стал иногда гулять по саду, начал писать картины. Но это продолжалось, увы, не долго. Старость брала верх над гениальным разумом.30 августа 1984 года в доме Дали произошел пожар. Ожоги на теле художника охватывали 18 % кожи.

В ноябре 1988 года Дали положили в клинику с диагнозом “сердечная недостаточность”.

Сердце Сальвадора Дали остановилось 23 января 1989 года. Его тело забользамировали, как он просил, и на протяжении недели он лежал в своем музее в Фигерасе. Тысячи людей приезжали, что бы простится с великим гением. Сальвадора Дали похоронили в центре его музея под не чем не обозначенной плитой.




Ветер гуляет над озером и колышет поверхность воды. Это видимый результат его невидимого присутствия.
Иннэ Труф
 
LeConseillerДата: Четверг, 04.10.2007, 17:34 | Сообщение # 3
Владыка
Группа: Администраторы
Сообщений: 539
Награды: 0
Репутация: 17
Статус: Не с нами сейчас
[color=blue]МИКЕЛАНДЖЕЛО Буонарроти (Michelangelo Buonarroti) (1475-1564), итальянский скульптор, живописец, архитектор, поэт. С наибольшей силой выразил глубоко человечные, полные героического пафоса идеалы Высокого Возрождения, а также трагическое ощущение кризиса гуманистического миропонимания в период Позднего Возрождения.

Монументальность, пластичность и драматизм образов, преклонение перед человеческой красотой проявились уже в ранних произведениях («Оплакивание Христа», ок. 1497-98; «Давид», 1501-04; картон «Битва при Кашине», 1504-06). Роспись свода Сикстинской капеллы в Ватикане (1508-12), статуя «Моисей» (1515-16) утверждают физическую и духовную красоту человека, его безграничные творческие возможности. Трагические ноты, вызванные кризисом ренессансных идеалов, звучат в ансамбле Новой сакристии церкви Сан-Лоренцо во Флоренции (1520-34), во фреске «Страшный суд» (1536-41) на алтарной стене Сикстинской капеллы, в поздних вариантах «Оплакивания Христа» (ок. 1550-55) и др. В архитектуре Микеланджело господствуют пластическое начало, динамический контраст масс (библиотека Лауренциана во Флоренции, 1523-34). С 1546 руководил строительством собора св. Петра, созданием ансамбля Капитолия в Риме.Поэзия Микеланджело отличается глубиной мысли и высоким трагизмом.

МИКЕЛАНДЖЕЛО Буонарроти (Michelangelo Buonarroti) (1475, Капрезе — 1564, Рим),[/color] итальянский скульптор, живописец, архитектор, поэт, один из ведущих мастеров Высокого Возрождения. Юность. Годы учения Первоначальное образование получил в латинской школе во Флоренции. Учился живописи у Гирландайо, скульптуре у Бертольдо ди Джованни в основанной Лоренцо Медичи художественной школе в Садах Медичи. Копировал фрески Джотто и Мазаччо, изучал скульптуру Донателло, а в 1494 в Болонье познакомился с работами Якопо делла Кверча. В доме Лоренцо, где Микеланджело прожил два года, он познакомился с философией неоплатонизма, оказавшей в дальнейшем сильное влияние на его миропонимание и творчество. Тяготение к монументальной укрупненности форм сказалось уже в первых его работах — рельефах«Мадонна у лестницы» (ок. 1491, Каза Буонарроти, Флоренция) и «Битва кентавров»(ок. 1492, там же). Первый римский период (1496-1501) В Риме Микеланджело продолжил начатое в Садах Медичи изучение античной скульптуры, ставшей одним из источников его богатой пластики. К первому римскому периоду относятся антикизированная статуя Вакха (ок. 1496, Национальный музей, Флоренция) и скульптурная группа «Пьета» (ок. 1498-99), свидетельствующая о начале творческой зрелости мастера. Флорентийский период (1501-06). Статуя Давида Вернувшись в 1501 во Флоренцию, Микеланджело получил от правительства республики заказ на создание 5,5-метровой статуи Давида (1501-04, Академия, Флоренция). Установленная на главной площади Флоренции рядом с ратушей Палаццо Веккио (ныне заменена копией), она должна была стать символом свободы республики. Микеланджело изобразил Давида не в виде хрупкого подростка, попирающего отрубленную голову Голиафа, как это делали мастера 15 в., а как прекрасного, атлетически сложенного гиганта в момент перед сражением, полного уверенности и грозной силы (современники называли ее terribilita — устрашающая). Одновременно в 1501-05 Микеланджело работал над другим заказом правительства — картоном к фреске «Битва при Кашине», которая вместе с росписью Леонардо да Винчи «Битва при Ангьяри» должна была украсить зал Палаццо Веккио. Росписи не были осуществлены, однако сохранилась зарисовка картона Микеланджело, предвещающая динамикой поз и жестов росписи Сикстинского плафона.

В 1505 папа Юлий II вызвал Микеланджело в Рим, поручив ему работ у над своим надгробием. Проект Микеланджело предусматривал создание, в отличие от традиционных для Италии этого времени пристенных надгробий, величественного, свободно стоящего мавзолея, украшенного 40 статуями больше человеческого роста. Быстрое охлаждение Юлия II к этому замыслу и прекращение финансирования работ вызвало ссору мастера с папой и демонстративный отъезд Микеланджело во Флоренцию в марте 1506.

В Рим он вернулся только в 1508, получив от Юлия II заказ на роспись Сикстинской капеллы. Фрески Сикстинского плафона (1508-12) — самый грандиозный из осуществленных замыслов Микеланджело. Отвергнув предложенный ему проект с фигурами 12 апостолов в боковых частях свода и с орнаментальным заполнением его основной части, Микеланджело разработал собственную программу росписей, до сих пор вызывающую различные толкования. Роспись громадного свода, перекрывающего обширную (40,93 х 13,41 м) папскую капеллу, включает в себя 9 больших композиций в зеркале свода на темы книги Бытия — от «Сотворения мира» до «Всемирного потопа», 12 огромных фигур сивилл и пророков в боковых поясах свода, цикл «Предки Христа» в распалубках и люнетах, 4 композиции в угловых парусах на темы чудесного избавления иудейского народа. Десятки величественных персонажей, населяющих этот грандиозный универсум, наделенные титаническим обликом и колоссальной духовной энергией, являют необыкновенное богатство сложнейших, пронизанных мощным движением жестов, поз, контрапостов, ракурсов.
После смерти Юлия II (1513) Микеланджело снова приступает к работе над его надгробием, создает в 1513-16 три статуи — «Умирающий раб», «Восставший раб» (оба в Лувре) и «Моисей».Первоначальный проект, неоднократно пересматривавшийся наследниками Юлия II, не был осуществлен. Согласно шестому по счету договору, заключенному с ними, в 1545 в римской церкви Сан-Пьетро ин Винколи было установлено двухъярусное пристенное надгробие, включившее «Моисея» и 6 статуй, выполненных в начале 1540-х гг. в мастерской Микеланджело. Четыре незаконченные статуи «Рабов» (ок. 1520-36, Академия, Флоренция), первоначально предназначавшиеся для надгробия, дают представление о творческом методе Микеланджело. В отличие от современных ему скульпторов он обрабатывал глыбу мрамора не со всех сторон, а только с одной, как бы извлекая фигуры из толщи камня; в своих стихах он неоднократно говорит о том, что скульптор лишь высвобождает изначально скрытый в камне образ. Представленные в напряженно-драматических позах «Рабы» как бы и сами пытаются вырваться из сковывающей их каменной массы.

В 1516 папа Лев X Медичи поручил Микеланджело разработать проект фасада церкви Сан-Лоренцо во Флоренции, построенной в 15 в. Брунеллески. Микеланджело хотел сделать фасад этой приходской церкви рода Медичи «зеркалом всей Италии», но работы были прекращены из-за недостатка средств. В 1520 кардинал Джулио Медичи, будущий папа Климент VII, поручил Микеланджело превратить Новую сакристию церкви Сан-Лоренцо в грандиозную усыпальницу рода Медичи. Работа над этим проектом, прерванная восстанием против Медичи 1527-30 (Микеланджело был одним из руководителей трехлетней обороны осажденной Флоренции), не была завершена к моменту отъезда Микеланджело в Рим в 1534; выполненные им статуи были установлены только в 1546. Капелла Медичи — сложный архитектурно-скульптурный ансамбль, образное содержание которого породило различные толкования. Статуи герцогов Лоренцо и Джулиано Медичи, сидящих в неглубоких нишах на фоне архитектурной антикизированной декорации и облаченных в доспехи римских императоров, лишены портретного сходства и, возможно, символизируют Жизнь деятельную и Жизнь созерцательную. С графически легкими очертаниями саркофага контрастирует пластическая мощь огромных статуй Дня и Ночи, Утра и Вечера, лежащих на покатых крышках саркофага в мучительно-неудобных позах, как бы готовых соскользнуть с них. Драматический пафос этих образов Микеланджело выразил в четверостишии, написанном им как бы от имени Ночи: Мне сладко спать, а пуще — камнем быть, Когда кругом позор и преступленье: Не чувствовать, не видеть — облегченье. Умолкни ж, друг, к чему меня будить? (Пер. А. Эфроса). Деталь фигуры «Ночь» В годы работы во Флоренции в 1520-34 сложился стиль Микеланджело-архитектора, отличающийся повышенной пластичностью и живописным богатством. Смело и неожиданно решена лестница библиотеки Лауренциана (проект ок. 1523-34, осуществлен уже после отъезда Микеланджело в Рим). Монументальная мраморная лестница, почти целиком заполняя обширный вестибюль, начинаясь прямо у порога расположенного на втором этаже читального зала, как бы вытекает из дверного проема узким маршем крутых ступеней и, стремительно расширяясь, образуя три рукава, столь же круто спускается вниз; динамический ритм больших мраморных ступеней, направленный навстречу поднимающимся в зал, воспринимается как некая сила, требующая преодоления.

Переезд Микеланджело в Рим в 1534 открывает последний, драматический период его творчества, совпавший с общим кризисом флорентийско-римского Возрождения. Микеланджело сближается с кружком поэтессы Виттории Колонна идеи религиозного обновления, волновавшие участников этого кружка, наложили глубокий отпечаток на его мировоззрение этих лет. В колоссальной (17 х 13,3 м)фреске «Страшный Суд» (1536-41) на алтарной стене Сикстинской капеллы Микеланджело отступает от традиционной иконографии, изображая не момент свершения Суда, когда праведники уже отделены от грешников, а его начало: Христос карающим жестом поднятой руки обрушивает на наших глазах гибнущую Вселенную. Если в Сикстинском плафоне источником движения были титанические человеческие фигуры, то теперь их увлекает, словно вихрь, внешняя, превосходящая их сила; персонажи утрачивают свою красоту, их титанические тела как бы вспухают буграми мышц, нарушающими гармонию линий; полные отчаяния движения и жесты резки, дисгармоничны; увлекаемые общим движением праведники неотличимы от грешников. По свидетельству Вазари, папа Павел IV в 1550-е гг. собирался сбить фреску, но вместо этого художнику Даниэле да Вольтерра было поручено «одеть» святых или прикрыть набедренными повязками их наготу (эти записи были частично удалены во время реставрации, закончившейся в 1993).

Трагическим пафосом проникнуты и последние живописные работы Микеланджело — фрески «Распятие апостола Петра» и «Падение Савла»(1542-50, капелла Паолина, Ватикан). В целом поздняя живопись Микеланджело оказала определяющее влияние на формирование маньеризма. Драматическая сложность образного решения и пластического языка отличает поздние скульптурные работы Микеланджело: «Пьета с Никодимом» (ок. 1547-55, собор Флоренции) и «Пьета Ронданини» (неоконченная группа, ок. 1555-64, Кастелло Сфорцеско). В последний римский период написано большинство из дошедших до нас почти 200 стихотворений Микеланджело, отличающихся философской глубиной мысли и напряженной выразительностью языка.

В 1546 Микеланджело был назначен главным архитектором собора св. Петра, строительство которого было начато Браманте, успевшим возвести к моменту смерти (1514) четыре гигантских столба и арки средокрестия, а также частично один из нефов. При его преемниках — Перуцци, Рафаэле, Сангалло, частично отошедших от плана Браманте, строительство почти не продвинулось. Микеланджело вернулся к центрическому плану Браманте, одновременно укрупнив все формы и членения, придав им пластическую мощь. Микеланджело успел при жизни закончить восточную часть собора и тамбур огромного (42 м в диаметре) купола, возведенного после его смерти Джакомо делла Порта. Вторым грандиозным архитектурным проектом Микеланджело стал завершенный только в 17 в. ансамбль Капитолия. Он включает перестроенный по проекту Микеланджело средневековый дворец Сенаторов (ратушу), увенчанный башенкой, и два величественных дворца Консерваторов с одинаковыми фасадами, объединенными мощным ритмом пилястров. Установленная в центре площади античная конная статуя Марка Аврелия и широкая лестница, спускающаяся к жилым кварталам города, довершили это ансамбль, который связал новый Рим с расположенными по другую сторону Капитолийского холма грандиозными руинами древнего Римского форума.

Несмотря на неоднократные приглашения герцога Козимо Медичи, Микеланджело отказывался вернуться во Флоренцию. После его смерти тело его было тайно вывезено из Рима и торжественно погребено в усыпальнице знаменитых флорентийцев — церкви Санта-Кроче.


Это мои мысли и мои слова!

Sapienti sat!Nosce te ipsum!
 
G@ioДата: Пятница, 05.10.2007, 17:07 | Сообщение # 4
G@io
Админчег
Группа: Администраторы
Сообщений: 1166
Награды: 4
Репутация: 64
Статус: Не с нами сейчас
Вы бы веделяли имена художников и интересные места их биографии разными цветами . :)

People can fly

Сообщение отредактировал G@io - Пятница, 05.10.2007, 17:14
 
LeConseillerДата: Четверг, 18.10.2007, 01:36 | Сообщение # 5
Владыка
Группа: Администраторы
Сообщений: 539
Награды: 0
Репутация: 17
Статус: Не с нами сейчас
G@io, Так лучше:) будет время еще повыделяю...

Это мои мысли и мои слова!

Sapienti sat!Nosce te ipsum!
 
LeConseillerДата: Вторник, 06.11.2007, 17:24 | Сообщение # 6
Владыка
Группа: Администраторы
Сообщений: 539
Награды: 0
Репутация: 17
Статус: Не с нами сейчас
В селении Анкиано, близ маленького городка Винчи ,расположенного между Эмоли и Пестойей, 15 апреля 1452 года родился Леонардо ди сер Пьеро д'Антонио (1452-1519). Его отец, нотариус Пьеро да Винчи, имел связь с женщиной из Анкиано, некой Катериной, которая позднее вышла замуж за крестьянина. Несмотря на незаконное происхождение, отец признал маленького Леонардо, воспитал его и дал образование. В 1469 году, через год после смерти деда Антонио, вся отцовская семья переехала во Флоренцию.

Исключительная одаренность будущего великого мастера проявилась очень рано. По словам историка и биографа Вазари, он уже в детстве настолько преуспел в арифметике, что своими вопросами ставил в затруднительное положение преподавателей. Одновременно Леонардо занимался музыкой, прекрасно играл на лире и "божественно пел импровизации". Однако рисование и лепка больше всего волновали его воображение. Отец отнес его рисунки своему давнишнему другу, одному из самых разносторонних и известных во Флоренции мастеров - скульптору, ювелиру и живописцу, Андреа Верроккьо. Тот изумился и сказал, что юный Леонардо должен всецело посвятить себя живописи. В 1466 году Леонардо поступил в качестве ученика во флорентийскую мастерскую Верроккьо. Именно здесь началось формирование творческой индивидуальности Леонардо да Винчи. Очень скоро ему суждено было превзойти прославленного учителя. Верроккьо часто выполнял работу для Лоренцо Великолепного, правителя Флоренции. После сотен лет рабства и религиозных предрассудков, наконец, настало время возрождения для изучения наук. Европа оставила Средние века и годы феодализма и много людей переезжало из деревень в города. Благодаря этим изменениям Флоренция, этот замечательный город, заполнился художниками и купцами. Ренессанс достиг и мастерской Верроккьо, в которой рука об руку трудились художники, скульптуры и кузнецы, производившие великолепные механические поделки и музыкальные инструменты и даже ремонтировали всевозможные предметы. Элементарное инженерное искусство являлось составной частью работы художника. Будучи подмастерьем в мастерской, Леонардо изучал мастерство художника и скульптора и познакомился с широким выбором инструментов для деятельности при поднятии и переноске тяжестей и копании. Позже в своей жизни он будет использовать эти знания как отправную точку для своих многочисленных идей и изобретений. Леонардо занимался всеми видами художественной деятельности, всегда проявляя безграничную любознательность и умение связать искусство с научными познаниями, бывшими результатом пристального наблюдения и неустанного исследования явлений природы.

Великий итальянский художник Леонардо да Винчи в своей жизни, научном и художественном творчестве воплотил гуманистический идеал "всесторонне развитой личности" (homo universale). Круг его интересов был поистине универсален. В него входили живопись, скульптура, архитектура, пиротехника, военная и гражданская инженерия, математические и естественные науки, медицина и музыка. Художественное наследие Леонардо да Винчи количественно невелико - скульптурные произведения погибли, живопись или плохо сохранилась, или осталась незавершенной, архитектурные проекты так никогда и не были осуществлены. Единственно, что более-менее не пострадало - это записные книжки, отдельные листы c записями и рисунками, часто произвольно объединенные в так называемые кодексы. Высказывалось мнение, что его увлечения естественными науками и инженерным делом помешали его плодовитости в искусстве. Однако анонимный биограф, его современник, указывает, что Леонардо "имел превосходнейшие замыслы, но создал немного вещей в красках, потому что, как говорят, никогда не был доволен собой". Это подтверждает и биограф Вазари, согласно которому, препятствия лежали в самой душе Леонардо - "величайшей и необыкновеннейшей…она именно побуждала его искать превосходства над совершенством, так что всякое произведение его замедлялось от избытка желаний".

В возрасте 20 лет Леонардо да Винчи сделался членом Флорентийской Гильдии Художников. Как раз в это время он внес свой вклад в работу своего учителя Верроккьо"Крещение Христа". По рассказу Вазари, молодой Леонардо написал голову белокурого ангела на левой стороне картины и часть пейзажа. "Эта голова так изящно - благородна, исполнена такой поэзии, что остальные персонажи картины не смотрятся рядом с ней, кажутся нескладными и тривиальными". Студенты часто выполняли часть работы своих учителей, и Леонардо впоследствии также имел учеников, которые помогали ему в его работе. В картине "Крещение Христа" Леонардо показал талант молодого гения и оригинальность. Он использовал масляные краски, которые явились новшеством в Италии, и с их помощью он превзошел своего учителя в использовании света и краски. Некоторые думают, что талант Леонардо вызывал зависть учителя. Однако, наиболее вероятно, что Верроккьо был рад передать искусство живописи Леонардо. Чтобы уделить больше времени скульптуре и другим проектам, Леонардо продолжал жить со своим учителем, но уже начал работать над своими собственными картинами. В период Ренессанса большинство художественных полотен были написаны на религиозные темы или являлись портретами. Пейзажи можно было видеть только на фонах таких полотен, как "Крещение Христа". Но написания пейзажей в качестве фона для человеческих фигур для Леонардо было недостаточно. Его первый датированный рисунок является деревенским пейзажем"Долина Арно" (1473). Эскиз выполнен в карандаше и полон движений природы: проходящий над холмами свет, шорох листьев и движение воды. С самого начала Леонардо отошел от общепринятых традиций и создал новый стиль со своим взглядом на мир природы.

Один эпизод, подробно описанный Вазари, относится к начальному периоду художественной деятельности Леонардо. Как-то отец принес домой круглый щит, переданный ему приятелем, и попросил сына украсить его каким-нибудь изображением по своему вкусу, чтобы доставить этому приятелю удовольствие. Леонардо нашел щит кривым и шероховатым, тщательно выпрямил и отполировал его, а затем залил гипсом. Затем он натаскал в свою уединенную комнату великое множество хамелеонов, ящериц, сверчков, змей, бабочек, омаров, летучих мышей и других причудливых животных. Вдохновившись зрелищем этих тварей и воспользовавшись обликом каждой в самых фантастических сочетаниях, он создал для украшения щита некое страшное чудище, "которое заставил выползать из темной расщелины скалы, причем из пасти этого чудовища разливался яд, из глаз вылетал огонь, а из ноздрей - дым". Работа над щитом так увлекла Леонардо, что "по великой своей любви к искусству" он даже не замечал жуткого смрада от подыхавших животных. Когда почтенный нотариус увидел этот щит, он отшатнулся в ужасе, не веря, что перед ним всего лишь создание искусного художника. Но Леонардо успокоил его и назидательно пояснил, что эта вещь "как раз отвечает своему назначению." Впоследствии леонардовский щит попал к миланскому герцогу, который очень дорого заплатил за него.

Много лет спустя, уже на закате жизни, Леонардо, по словам того же Вазари, нацепил ящерице "крылья, сделанные из кожи, содранной им с других ящериц, налитые ртутью и трепетавшие, когда ящерица двигалась; кроме того, он приделал ей глаза, рога и бороду, приручил ее и держал в коробке; все друзья, которым он ее показывал, от страха пускались наутек". Он хочет познать тайны и силы природы, подчас зловещие, смертоносные. Через полное познание природы хочет стать ее властителем. В своих поисках он преодолевает отвращение и страх. Страсть к фантастическому характерна для Леонардо да Винчи - от отроческих лет и до самой смерти. И, когда эта мощь наполняла все его существо, он творил великие дела.

Ко времени ухода из мастерской Верроккьо исследователи относят"Мадонну с цветком"("Мадонна Бенуа", как она называлась раньше, по имени владельцев),"Портрет Джиневры де Бенчи", "Благовещение". В этот период Леонардо вероятно некоторое время находился под влиянием Боттичелли. Его "Благовещение" по детализации еще обнаруживает тесные связи с кватроченто, но спокойная, совершенная красота фигур Марии и архангела, цветовой строй картины, композиционная упорядоченность говорят о мировоззрении художника новой поры, характерном для Высокого Ренессанса."Мадонна Бенуа".Одну из первых самостоятельных работ молодого живописца отличает новизна трактовки сюжета, решенного как жизненная сцена, где молодая мать, одетая в костюм современниц Леонардо и причесанная по моде тех лет, играя с сыном, протягивает ему цветок крестоцвета. Традиционный символ распятия воспринимается как невинная игрушка, к которой по-детски неловко тянется младенец Иисус, вызывая улыбку юной мадонны, любующейся первыми попытками сына освоить мир. Теплота и обаяние материнского чувства переданы с удивительной жизненной правдивостью. Живописное мастерство Леонардо раскрывается в умении продуманно построить композицию, добиваясь ощущения непосредственности, а использование новой техники масляной живописи позволяет мастеру добиться глубины и звучности цвета, прозрачной легкости теней и тончайшей моделировки, благодаря которой тела и драпировки приобрели живописную осязательность. Со временем мастерство художника совершенствовалось. Накладывая слой масляной краски поверх другого, он создавал тонкую дымку, что придавало туманность картине, что не отвечало строгости формы традиционного полотна. Эту технику он называл "окутывание дымкой". Он также использовал светлые и темные цвета близко друг к другу, чтобы картина выглядела более естественно.

В 1482-1499 гг. в Милане, на службе у герцога Лодовико Моро, в качестве военного инженера, архитектора, скульптора и живописца. В апреле 1500 г. Леонардо да Винчи возвращается во Флоренцию (через Мантую и Венецию). В 1502 около года служит у Чезаре Борджа, по поручению которого объезжает Романью, Умбрию и Тоскану. В 1503-1506 гг. во Флоренции работает над стенной росписью в зале Большого совета дворца Синьории ("Битва при Ангиари"), в 1506 г. возвращается в Милан на службу к французскому наместнику Шарлю д'Амбуаз, где живет до 1513 г. (с перерывом для поездки во Флоренцию в 1507 г.). С конца 1513 г. в Риме, откуда в 1516 г. был приглашен королем Франциском I во Францию на должность первого живописца, архитектора и механика короля. Умер в замке Клу 2 мая 1519 г., завещав рукописное наследство ученику Франческо Мельци, сопровождавшему его во Францию.

Леонардо да Винчи был не только великим художником-живописцем, скульптором и архитектором, но и гениальным ученым, занимавшимся математикой, механикой, физикой, астрономией, геологией, ботаникой, анатомией и физиологией человека и животных, последовательно проводившим принцип экспериментального исследования. В его рукописях встречаются рисунки летательных машин, парашюта и вертолета, новых конструкций и винторезных станков, печатающих, деревообрабатывающих и других машин, отличающиеся точностью анатомические рисунки, мысли, относящиеся к математике, оптике, космологии (идея физической однородности вселенной) и другим наукам. Около семи тысяч страниц сохранившихся рукописей (написанных на итальянском языке в большинстве справа налево зеркально) были позднее разъединены и хранятся теперь в библиотеках Лондона, Виндзора, Парижа, Милана и Турина.

Живописные работы Леонардо да Винчи

Первый флорентийский период: Ангел на "Крещении" Верроккио (Уффици); "Поклонение волхвов" (Уффици; незакончена, подготовительные рисунки пером в Уффици и Лувре); женский портрет (может быть, Джиневры д'Америго Бенчи, Вена, галерея Лихтенштейн); "Мадонна Бенуа" (Санкт-Петербург, Эрмитаж); "Св. Иероним" (Ватикан, галерея).

Первый миланский период: "Мадонна в гроте" для церкви Сан Франческо (Лувр и Лондон, Национальная галерея); "Мадонна Литта" (Санкт-Петербург, Эрмитаж); фреска "Тайная вечеря" (Милан, монастырь Санта Мариа делле Грацие (1495-1497); рисунки - в Милане (Брера), Венеции (Академия), Виндзоре, Страсбурге, Веймаре. Приписываются: портрет дамы с горностаем (Цецилии Галерани, Краков, музей); так называемая "Belle FerroniKre" (Лувр); портреты женщины в профиль и музыканта в миланской Амброзиане. В Мантуе нарисовал портрет Изабеллы д'Эсте (теперь в Лувре). Второй флорентийский период: портрет Моны Лизы ("Джоконда", 1503, Лувр); рисунки для "Св. Анны втроем" и для "Битвы при Ангиари" в Лондоне, Оксфорде, Виндзоре, Будапеште, Венеции.

Второй миланский период: "Св. Анна втроем" и "Иоанн Креститель" (обе - Лувр). Сохранились в копиях учеников "Флора, Вакх, две Леды". Приписываются: два "Благовещения" (Уффици и Лувр), "Мадонна с гвоздикой" в Мюнхенской пинакотеке.

Скульптурные работы Леонардо да Винчи не сохранились; остались рисунки и статуэтки (лучшая в Будапеште) конной статуи герцога Сфорца, модель которой была разрушена в Милане в 1499 г., и другой, также неосуществленной, статуи маршала Тривульцио.

Архитектурные и градостроительные проекты и рисунки (центрально-купольные постройки, планировка городов, купола Миланского собора, собора в Павии и др.) сохранились в собрании рисунков в Виндзоре, в так называемом Атлантическом кодексе, хранящемся в миланской библиотеке Амброзиана, и в других кодексах Леонардо.


Это мои мысли и мои слова!

Sapienti sat!Nosce te ipsum!
 
LeConseillerДата: Среда, 21.01.2009, 12:43 | Сообщение # 7
Владыка
Группа: Администраторы
Сообщений: 539
Награды: 0
Репутация: 17
Статус: Не с нами сейчас

КРАТКАЯ БИОГРАФИЯ П. ПИКАССО
Пикассо Пабло,
полное имя Пабло Руис-и-Пикассо; Ruiz-y-Picasso,
25 октября 1881, Малага — 8 апреля 1973, Мужен, Приморские Альпы,
французский живописец, по происхождению испанец

В 1900-х годах («голубой» и «розовый» периоды) создал обостренно-выразительные произведения, посвященные обездоленным людям («Девочка на шаре», 1905). С 1907 основоположник кубизма, с середины 1910-х годов создавал произведения в духе неоклассицизма, в ряде работ близок сюрреализму. Произведения Пикассо иногда полны боли и протеста, имеют большое общественное значение («Герника», 1937), глубокое гуманистическое содержание (рисунок «Голубь мира», 1947). Много работал как график, скульптор, керамист. Международная Ленинская премия (1962). Международная премия Мира (1950).

Учился у своего отца — Х. Руиса, в школах изящных искусств в Ла-Корунье, Барселоне и в Мадридской академии «Сан Фернандо», увлекаясь французским искусством, знакомым по репродукциям. Испытал воздействие анархизма.

В 1900 Пикассо впервые приезжает в Париж, с 1904 живет там постоянно. Выставляется с 1901 у «тетушки Вейль» и у А. Воллара. В это время он уходит от влияния стиля модерн, которое еще долго сохраняется в манере подчеркивать силуэты фигур, а также в колористической монохромии. Своими «учителями» Пикассо избирает Ван Гога, Гогена, Сезанна, Тулуз-Лотрека. Он начинает писать яркими пастозными мазками в манере протофовизма.

На годы поездок между Парижем и Барселоной (1901-04) приходится так называемый «голубой период»: в палитре мастера преобладают голубые оттенки. Для картин этого периода характерны образы нищеты, меланхолии и печали (Пикассо считал — «кто грустен, тот искренен»); движения людей замедленны, они словно вслушиваются в себя («Любительница абсента», 1901; «Свидание», 1902, обе в Эрмитаже; «Старый нищий старик с мальчиком», 1903, Музей изобразительных искусств, Москва).

В следующий период, получивший название «розового», появляются сцены дружбы, любования красотой обнаженного тела. Произведение переходного периода — от «голубого» к «розовому» — «Девочка на шаре» (1905, Музей изобразительных искусств, Москва).

В 1907 Пикассо создает композицию «Авиньонские девицы» (Музей современного искусства, Нью-Йорк) — большое панно, персонажи которого — посетители и девицы публичного дома в барселонском квартале Авиньон (так полагал поэт А. Сальмон, давший название произведению) — предстают бесполыми существами, некими устрашающими идолами. В произведении сочетаются разные стилистические манеры: розовые фигуры персонажей геометризированы, лики отдельных из них написаны в штриховой манере, имитирующей приемы африканских скульпторов. «Авиньонские девицы» произвели сенсацию, картина положила начало многим экспериментам.

Вкус к резкой, разрушительной деформации оказался знаменем нового века. В 1908-09 Пикассо совместно с Ж. Браком, влияя друг на друга, разрабатывают новый стиль — кубизм, ставший радикальным поворотом от поисков художественного эквивалента реальности к ее полному пересозданию. Используются нейтральные, преимущественно охристые, серые, коричневые и зеленоватые тона, характерные для живописи Сезанна, но заметно «утяжеленные», помутнелые; они комбинируются в геометрические формулы, обнажая некие изначальные «прототипы» человеческих фигур, вещей и мира природы («Королева Изабо», «Дама с веером», обе 1909; «Портрет А. Воллара», 1910, все в Музее изобразительных искусств, Москва; «Дриада», «Фермерша», «Три женщины», ряд натюрмортов, 1909-10, Эрмитаж).

Первая стадия кубизма получила впоследствии название «аналитической». С 1909 она постепенно перерождается, и в 1913 появляется «синтетическая» стадия, для которой характерны большая цветность форм, стремление к плоскостной трактовке объектов. Начинают преобладать натюрморты, преимущественно с музыкальными инструментами, трубками и коробками из-под табака, нотами, бутылками с вином и т. п. — атрибуты, присущие образу жизни художественной богемы начала века. В композициях появляется «кубистическая тайнопись»: зашифрованные номера телефонов, домов, обрывки имен возлюбленных, названий улиц, кабачков. Пикассо использует коллаж — вклеивание в холст реклам, этикеток и вырезок из газет; со временем объем инородного материала в картине увеличивается (присыпки песком, вмонтирование кусочков дерева и металла, осколков стекла, использование гипса и т. п.). В «синтетический» период появляется также стремление к гармонизации колорита, уравновешенным композициями, которые временами вписываются в овал. В дальнейшем увлечение кубизмом сходит на нет, однако отдельные его черты продолжают сохраняться в картинах до конца жизни художника («Три музыканта», 1921, Музей современного искусства, Нью-Йорк).

Уже в картине «Художник и его модель» (1914) и в ряде рисунков проявился интерес Пикассо к точным контурам и пластике форм. Через три-четыре года неоклассицистические и реалистические тенденции становятся явными для всех. Многих это смущает: новатор, соблазнивший стольких художников, вернулся к традициям. В прессе появились критические заметки о «художнике-хамелеоне». В 1917 Пикассо делает декорации для балета «Парад» Э. Сати (текст Ж. Кокто) в «помпейском стиле».

Женитьба на балерине Ольге Хохловой, рождение сына Поля сопровождаются возвращением к миру ясных, понятных, чуждых драматической экспрессии форм. Поездка в Италию также усиливает интерес к классике. Некоторые рисунки мастер делает по фотографиям. Он отходит от гротескной манеры 1900-х гг., по-иному «активизирует» форму, словно соревнуясь со своим кумиром тех лет — Энгром (этот период нередко называют «энгровским»).

При этом в творчестве мастера сохраняется тенденция к одновременным поискам в разных направлениях. Так, в середине 1920-х гг. он испытывает влияние сюрреализма — пишет несколько полотен с изображением женщин на пляже, в трактовке форм которых соединяет геометрическую манеру кубизма с подчеркнуто витальными элементами. Он продолжает активно заниматься скульптурой, сочетая впечатления от африканской скульптуры с приемами кубизма и сюрреализма.

В 1930 художник делает серию из 30 офортов к «Метаморфозам» Овидия. В 1930-37 создает «Сюиту Воллара»; в числе ста офортов, продолжающих традиции Рембрандта и Гойи, — сцены с человекобыком, где легендарный обитатель лабиринта Минотавр превращается в «миф Пикассо», ибо художник весьма произвольно трактует древнее сказание.

В 1937 симпатии Пикассо — на стороне республиканцев, борющихся в Испании (серия акватинт «Мечты и ложь генерала Франко», отпечатанная в виде открыток, разбрасывалась с самолетов над позициями франкистов). В апреле 1937 немецкая и итальянская авиация бомбила и разрушила небольшой городок басков Герника — культурный и политический центр жизни этого свободолюбивого народа. За два месяца Пикассо создает свою «Гернику» — громадное полотно, которое было выставлено в республиканском павильоне Испании на Всемирной выставке в Париже. Светлые и темные монохромные краски словно передают ощущение от всполохов пожара. В центре композиции, наподобие фриза, в комбинаторике кубистическо-сюрреалистических элементов показаны павший воин, подбегающая к нему женщина и раненая лошадь. Основной теме сопутствуют изображения плачущей женщины с мертвым ребенком и быком за ее спиной и женской фигуры в пламени с воздетыми вверх руками. В темноту маленькой площади, над которой висит фонарь, протягивается длинная рука со светильником — символом надежды.

В 1944 Пикассо становится членом Французской компартии; в первом послевоенном Салоне освобождения для его произведений отводится целый зал. В 1950 он рисует знаменитого «Голубя мира», в 1951 пишет картину «Война в Корее» (собрание семьи художника).

В 1947 Пикассо приезжает в городок Валлорис — традиционный центр керамики на юге Франции. Он изготавливает здесь блюда и сосуды самых разнообразных форм, способствуя возрождению традиционного ремесла. Перед старинным романским собором на торговой площади устанавливается статуя его работы «Человек с ягненком» (1942-44); в крипте храма помещаются живописные панно «Война» и «Мир» (1952). В 1956-57 Пикассо исполняет панно для здания ЮНЕСКО в Париже. Создает ряд произведений для Музея Гримальди в Антибе, который вскоре получает название «музей Пикассо».

В 1960-е гг. Пикассо пишет своеобразные вариации на темы прославленых картин знаменитых мастеров прошлого («Менины» Веласкеса, «Расстрел повстанцев» Гойи, «Завтрак на траве» Мане и др.). Трактуя их в гротескно-кубистическом стиле, художник дает волю своей неуемной фантазии, убирая фигуры или добавляя вымышленные. Написанные небрежно холсты «позднего Пикассо» представляют любимые им сцены: художник и модель, образы античной мифологии, натюрморты, цирковые мотивы и мотивы боя быков; часто он обращается к женскому портрету.

Пикассо оказал громадное влияние на художников всех стран, став самым известным мастером в искусстве 20 века.


Это мои мысли и мои слова!

Sapienti sat!Nosce te ipsum!
 
LeConseillerДата: Среда, 01.07.2009, 00:55 | Сообщение # 8
Владыка
Группа: Администраторы
Сообщений: 539
Награды: 0
Репутация: 17
Статус: Не с нами сейчас
Рафаэль

Эпоха Возрождения - время высочайшего художественного подъема, когда в Италии работало множество замечательных живописцев, скульпторов, архитекторов.

Творчество Рафаэля Санти принадлежит к числу тех явлений европейской культуры, которые не только овеяны мировой славой, но и обрели особое значение - высших ориентиров в духовной жизни человечества. На протяжении пяти веков его искусство воспринимается как один из образцов эстетического совершенства.

Гений Рафаэля раскрылся в живописи, графике, архитектуре. Произведения Рафаэля являют собой самое полное, яркое выражение классической линии, классического начала в искусстве Высокого Возрождения. Рафаэлем был создан "универсальный образ" прекрасного человека, совершенного физически и духовно, воплощено представление о гармонической красоте бытия.

Рафаэль (точнее, Рафаэлло Санти) родился 6 апреля 1483 года в городе Урбино. Первые уроки живописи он получил у отца, Джованни Санти. Когда Рафаэлю было 11 лет, Джованни Санти умер и мальчик остался сиротой (мать он потерял за 3 года до кончины отца) . По-видимому, в течение последующих 5-6 лет он обучался живописи у Эванджелиста ди Пьяндимелето и Тимотео Вити, второстепенных провинциальных мастеров.

Духовная среда, с детства окружавшая Рафаэля, была чрезвычайно благотворной. Отец Рафаэля был придворным художником и поэтом герцога Урбинского Федериго да Монтефельтро. Мастер скромного дарования, но человек образованный, он привил сыну любовь к искусству.

Первые известные нам произведения Рафаэля исполнены около 1500 - 1502 годов, когда ему было 17-19 лет. Это миниатюрные по размерам композиции "Три грации", "Сон рыцаря". Эти простодушные, еще ученически робкие вещи отмечены тонкой поэтичностью и искренностью чувства. С первых же шагов творчества дарования Рафаэля раскрывается во всем своеобразии, намечается его собственная художественная тема.

К лучшим работам раннего периода принадлежит"Мадонна Конестабиле". Лирическому таланту Рафаэля тема мадонны особенно близка, и не случайно она станет одной из главных в его искусстве. Композиции, изображающие мадонну с младенцем, принесли Рафаэлю широкую известность и популярность. На смену хрупким, кротким, мечтательным мадоннам умбрийского периода пришли образы более земные, полнокровные, их внутренний мир стал более сложным, богатым по эмоциональным оттенкам. Рафаэль создал новый тип изображения мадонны с младенцем - монументальный, строгий и лиричный одновременно, придал этой теме невиданную значительность.

Земное бытие человека, гармонию духовных и физических сил прославил в росписях станц (комнат) Ватикана (1509-1517) , достигнув безупречного чувства меры, ритма, пропорций, благозвучия колорита, единства фигур и величества архитектурных фонов. Много изображения богоматери ("Сикстинская мадонна", 1515-19) , художественные ансамбли в росписях виллы Фарнезина (1514-18) и лоджиях Ватикана (1519, с учениками) . В портретах создает идеальный образ человека Возрождения ("Бальдассаре Кастильоне", 1515) . Проектировал собор св Петра, строил капеллу Киджи церкви Санта-Мария дель Пополо (1512-20) в Риме.

Живопись Рафаэля, ее стиль, ее эстетические принципы отражали мировоззрение эпохи. К третьему десятилетию 16 века культурная и духовная ситуация в Италии изменилась. Историческая действительность разрушала иллюзии ренессансного гуманизма. Возрождение подходило к концу.

Жизнь Рафаэля оборвалась неожиданно в возрасте 37 лет 6 апреля 1520 года. Великому художнику были оказаны высшие почести: прах его был погребен в Пантеоне. Гордостью Италии Рафаэль был для современников и остался ею для потомков.


Это мои мысли и мои слова!

Sapienti sat!Nosce te ipsum!
 
ARJEIZДата: Среда, 01.07.2009, 02:08 | Сообщение # 9
ARJEIZ
Потрашитель
Группа: Администраторы
Сообщений: 608
Награды: 1
Репутация: 13
Статус: Не с нами сейчас
А вы знаете, что Леонардо да Винчи писал кртину "Джаконда" неизвестной техникой, и до сих пор, не понять, не повторить его технику никто не может... Ведь ни микроскоп, ни рентген не позволяет обнаружить следы мазков (!)
И картин с этой "моделью" возможно было как минимум две (не считая копий учеников Леонардо, которых насчитываеться 60 и более), где фон - колонны и где фон - лес.
Всем известно, что Рафаель, делал копию картины Леонардо "Мона Лиза". А там как раз фон - колонны! Тогда где оригинал? Либо это загадка Леонардо, либо Рафаель написал картину по-своему. А возможно и не было никакого Рафаеля (то есть он не заходил к Леонардо), а Леонардо сам написал "копию" (если это его загадка, то почему нет?).
Вот так-то, вот вам пища для размышления.


Человек не должен себя ограничивать... ©
Всех порвём!©
 
Форум » Музыка и искусство » Изобразительное искусcтво » Великие Художники (Биография Великих Художников)
  • Страница 1 из 1
  • 1
Поиск:

Copyright Anarkin © 2006-2020